Hay artistas que guardan sus secretos. Y luego está Tracey Emin. Desde hace cuarenta años, expone sus heridas a plena luz, transforma sus noches en blanco en manifiestos, hace de sus sábanas arrugadas estandartes. La retrospectiva que le dedica la Tate Modern hasta septiembre se asemeja a un despojamiento integral, cien obras que cuentan sin maquillaje una vida de mujer en toda su complejidad brutal.
No es exhibicionismo. Es otra cosa.
La confesión como territorio artístico
La exposición se abre con las primeras telas de los años 1980, cuando Emin estudiaba aún en el Royal College of Art. Ya, esta urgencia por decir lo íntimo, esta incapacidad de separar el arte de la existencia. Los títulos restallan como bofetadas: Why I Never Became a Dancer (1995), Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 (1995). La confesión se vuelve territorio artístico, allí donde otros buscan la abstracción o la conceptualización.
Hay que ver estas primeras pinturas al acrílico, torpes a veces, donde las palabras se mezclan con los chorreos. Emin pinta como escribe, en la urgencia, sin arrepentimiento. Esta dimensión de lo irreversible del gesto encuentra un eco particular cuando se piensa en las prácticas contemporáneas de la tinta china, donde cada trazo compromete definitivamente la obra.
My Bed o el arte de la confesión radical
En el centro de la exposición reina My Bed (1998), esa instalación que provocó escándalo en el Turner Prize de 1999. Una cama deshecha, sábanas manchadas, preservativos usados, botellas vacías. Cuatro días de depresión amorosa transformados en obra de arte mayor. Los visitantes giran alrededor como alrededor de un accidente, fascinados e incómodos.
Es quizás allí donde reside la fuerza de Tracey Emin: en esa capacidad de transformar lo íntimo en universal sin caer nunca en el voyerismo. La cama se vuelve metáfora de todas las camas, el dolor particular revela el dolor común. El arte como exorcismo, como terapia colectiva.
La instalación dialoga extrañamente con esos momentos donde el accidente se vuelve fértil en creación. En Emin, nada es calculado, todo procede de una necesidad vital de decir, de mostrar, de compartir el peso de la existencia.
La evolución hacia el dominio técnico
Las salas siguientes revelan una transformación sorprendente. Los bronces recientes, los dibujos a la tinta de los años 2010, testimonian un dominio técnico creciente. Emin ha aprendido a esculpir, a grabar, a manejar el pincel con precisión. Pero nunca esta virtuosidad nueva traiciona la urgencia primera.
Sus monocromos a la tinta negra sobre papel, presentados en una de las últimas salas, revelan a una artista que ha encontrado en el despojamiento cromático un nuevo lenguaje de la emoción. El blanco y negro radical, esa ausencia de color que lo dice todo, recuerda esas prácticas contemporáneas donde la restricción se vuelve libertad creadora.
La vulnerabilidad como fuerza política
Lo que llama la atención en esta retrospectiva es la dimensión política de esta vulnerabilidad asumida. En una época en la que la imagen de uno mismo se construye en la performance permanente, en la que las redes sociales transforman cada existencia en espectáculo edulcorado, Tracey Emin persiste en mostrar el reverso del decorado. Sus Everyone I Have Ever Slept With o sus Why I Never Became a Dancer son actos de resistencia a la normalización de los afectos.
La artista británica, miembro de los Young British Artists de los años 1990, ha abierto una vía que muchos han tomado desde entonces, a menudo degradándola. Pero en ella, ninguna complacencia. La herida se muestra para sanar, no para seducir.
La herencia de una autenticidad radical
Cuarenta años después de sus inicios, Tracey Emin ha impuesto un lenguaje artístico donde la autobiografía se vuelve forma de arte universal. Esta retrospectiva de la Tate Modern lo demuestra con una evidencia perturbadora: puede existir una belleza de la vulnerabilidad, una estética de la confesión, una poética de la fragilidad asumida.
Sus últimas obras, esos bronces donde funde sus propias palabras en el metal, transforman lo efímero de la emoción en permanencia escultórica. “I loved you more than I loved myself”, se lee en una de ellas. La confesión se vuelve monumento, lo íntimo alcanza lo eterno.
Al salir de esta exposición densa y conmovedora, se comprende que Tracey Emin nunca ha buscado hacer bonito. Ha buscado hacer verdadero. En un mundo de artificios, es quizás el más revolucionario de los gestos artísticos.
